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①也作“攝景”。追攝日影。極言其快：騁足則能追風攝景｜攝影超光一簇風。
②也稱“照相”。利用攝影機將被攝體影像記錄於感光材料的技術。先使被攝體的影像通過鏡頭在感光片上曝光；曝光後的感光片經衝洗加工得到呈現被攝體負像的底片；再經洗印便獲得與被攝體基本一致的正像。如使用反轉感光材料攝影，經衝洗加工，能直接獲得正像。按色彩分，有彩色攝影和黑白攝影。 |
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拍電影
全景攝影 |
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| 見“ 攝景 ”。 |
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照相；拍電影或電視。 鄭澤 《壬子秋日鈍庵邀攝影像作詩奉呈》：“攝影紀盛遊，或左亦或右。” 洪深 《電影戲劇表演術》第一章一：“戲劇對於人生，不能像攝影的對於景物那樣，一些不走樣地反映。”
如：攝影棚。
攝影留念 |
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| 指照片。《孽海花》第十一回：“ 菶如 拆開看了，又拆了那紙包，卻密密層層的包着，直到末層，方露出那一張一尺大的西法攝影。上頭卻是兩個美麗的西洋婦人。” |
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| 引申指如實反映。 黃人 《＜清文匯＞序》：“有一代之政教風尚，則有一代之學術思想，蛻故孳新，瞤息不可復省，而有為之攝影者曰史，而有為之留聲者曰文。” |
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攝影是指使用某種專門設備進行影像記錄的過程， 一般我們使用機械照相機或者數碼照相機進行攝影。 有時攝影也會被稱為照相，也就是通過物體所反射的光綫使感光介質曝光的過程。
英文攝影 photography 一詞是源於希臘語 φως phos（光綫）和 γραφις graphis（繪畫、繪圖）或γραφη graphê，兩字一起的意思是“以光綫繪圖”。是指使用某種專門設備進行影像記錄的過程，一般我們使用機械照相機或者數碼照相機進行攝影。有時攝影也會被稱為照相，也就是通過物體所反射的光綫使感光介質曝光的過程。有人說過的一句精闢的語言：攝影傢的能力是把日常生活中稍縱即逝的平凡事物轉化為不朽的視覺圖像。
一般簡稱的攝影，即是用照相機，映像在底片，衝印底片成為單一相片，一張張作永久保存。但相片的影像是不動、無聲，僅供人觀賞其人物、意境，進而體會其涵義。
今天世界上仍存留最早的一張照片可以追溯至1827年，出自法國人約瑟夫‧尼埃普之手。 |
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曝光過程
在進行照相時，光通過小孔（更多時候是一個透鏡組）進入暗盒，在暗盒背部（相對於光入射方向）的介質上成像。根據實際光強度和介質感光能力的不同，要求的光照時間也不同。在光照過程中，介質被感光。
後期製作
照相進行完成後，介質所存留的影像信息必須通過轉換而再度為人眼所讀取。具體方法依賴於感光手段和介質特性。對於膠片照相機，會有定影，顯影，放大等化學過程。對於數碼照相機，則需要處理器對數據進行計算，再通過電子設備輸出。
所用設備
一般來講，人們使用可見光照相，最常用到的是照相機。因場景和用途的不同，照相機有着非常多的分類。綜合來講，照相機都要有幾個基本的部分以保證暴光過程，這包括：感光介質、成像透鏡、曝光時間控製機構、膠捲暗盒、存儲介質。 |
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記錄攝影
攝影之所以誕生，就是為了記錄的目的。它誕生之後所顯示出來的強大的生命力，也恰恰在於它的記錄功能。這是其他技術或藝術所無法比擬或取代的。因此，從廣義上說，攝影就是記錄。
藝術攝影
隨着攝影的發展，人們在攝影中不斷地增加藝術的元素，開始産生藝術攝影。它與記錄攝影的區別在於藝術性的多少與高低，而無絶對的界限。例如：我們去照張像作身份證或留個紀念，一般照相館拍攝的照片，最多有點資料或記錄價值。可是，鄭景康先生給齊白石先生拍的人像，50年過去了，至今仍是世界二十幅最優秀的人像作品之一。其中的差別完全在於藝術性的高低。
畫意攝影
畫意攝影以其唯美的畫面語言及美好的設計內涵一直是人像攝影的一種重要的表達方式。自攝影術發明至今，可以說，畫意攝影一直貫穿其中，並且在攝影發展史上起了幾個里程碑的作用。十九世紀後半頁，英國攝影傢雷蘭達拍攝出了曾被預言為“攝影新時代來臨了”的作品-----《人生的兩條路》，在攝影還被輕視的當時，這幅作品以其勸勉性的主題和油畫式的構圖，受到了維多利亞女王的極高評價。可以這樣說，雷蘭達對推進攝影被承認為一們藝術功不可沒。從此，畫意攝影也逐漸成為攝影藝術中的一個重要流派。
全息攝影
全息攝影是指一種記錄被攝物體反射波的振幅和位相等全部信息的新型攝影技術。普通攝影是記錄物體面上的光強分佈，它不能記錄物體反射光的位相信息，因而失去了立體感。全息攝影采用激光作為照明光源，並將光源發出的光分為兩束，一束直接射嚮感光片，另一束經被攝物的反射後再射嚮感光片。兩束光在感光片上疊加産生干涉，感光底片上各點的感光程度不僅隨強度也隨兩束光的位相關係而不同。所以全息攝影不僅記錄了物體上的反光強度，也記錄了位相信息。人眼直接去看這種感光的底片，衹能看到像指紋一樣的干涉條紋，但如果用激光去照射它，人眼透過底片就能看到原來被拍攝物體完全相同的三維立體像。一張全息攝影圖片即使衹剩下一小部分，依然可以重現全部景物。全息攝影可應用於工業上進行無損探傷，超聲全息，全息顯微鏡，全息攝影存儲器,全息電影和電視等許多方面。
1.繪畫主義攝影
繪畫主義攝影是勵行於二十世界初攝影領域的一種藝術流派，它産生於十九世紀中葉的英國。
該派攝影傢在創作上追求繪畫的效果，或“詩情畫意”的境界。它大致經歷了這樣三個階段：仿畫階段；崇尚麯雅階段；畫意階段。
繪畫主義攝影傢提出，“應該産生攝影的拉斐爾和攝影的提茨安。”
繪畫主義攝影經歷了較長的發展時期，第一個繪畫主義攝影菜是英國畫傢希路（1802-1870），他擅長人像攝影，作品結構嚴謹，造型優雅。1851年至 1853年，是繪畫主義攝影的成長時期。1869年，英國攝影傢hp羅賓森（1830-1901）發表了攝影的畫意效果一書，他提出：“攝影傢一定要有豐富的情感和深入的藝術認識，方足以成為優秀的攝影傢。無疑的，攝影術的繼續改良和不斷發明啓示出更高的目標，足以令攝影傢更能自由發揮；但技術上的改良並非就等於藝術上的進。因為攝影本身無論如何精巧完備，還衹是一種帶引到更高的目標而已。”為該派奠定了理論基礎。
1857年，og雷蘭德（1813-1875）創作了一幅由30餘張底片拼放而成的、具有文藝復興風格的作品：兩種生活方式，標志着繪畫主義攝影藝術上的成熟。
這一時期的作品，其題材大都富有宗教色彩，含有一定的規喻性。拍攝時，預告打好草圖，然後利用模特兒、道具，組織和安排場面，並通過暗房加工而成。追求照片畫面的繪畫效果。
隨後，繪畫主義攝影的內容有所擴大，但風格仍崇尚古典主義，造型和構圖仍具學院派的法則，因而顯得儲蓄、沉表、典雅。
當該流派發展到畫意階段時，追求作品的情感、意境和形式的美，依舊是它的特點。
由於繪畫主義攝影傢強調藝術修養：“如果想要使攝影在藝術上有地位，攝影傢就必須首先培養起審美的能力和育實藝術的修養。”所以其歷史功績是把攝影從初期機械地摹寫對象引導到造型藝術的領域中去，促使了攝影藝術的發展。
由於繪畫主義的創作大都脫離現實生活，加上攝影器材的日益改善，人們早美趣味的不斷發展，為“自然主義”所衝擊。儘管這樣，在今天的攝影藝術殿堂中，仍有它的席位。
這一流派的主要攝影傢和作品有：普萊期（?-1896）的男爵之宴、魯賓遜漂流記、寶塔情景；羅賓林的當一天工作完了的時候、秋天、兩個小姑娘、彌留、拿着毒藥瓶的朱麗葉、黎明和落日；雷蘭德洗禮者聖約朝霞之首、伊菲吉尼亞、優迪特與荷羅佛尼斯；金馬倫夫人（1815-1897）的湯姆士卡萊爾和尼達（1820-1910）的彌留之際的囂俄等等。
2.印象派攝影
1899年，英國舉辦了法國印象派繪畫的首次展覽。繪畫主義派攝影傢羅賓森在其影響下，提出“軟調攝影比尖銳攝影更優美”的審美標準，提倡“軟調”攝影。該流派是繪畫印象派在攝影藝術領域中的反映。
開始，他們運用軟焦點鏡頭進行拍攝，布紋紙洗印，追求一種模糊朦朧的藝術表現效果。隨着“溴化銀洗相法”和在顔料中混入重鉻酸膠洗相紙法的出現，印象派作品從對鏡頭成象的控製發展到暗房加工。他們提出“要使作品看起來完全不象照片”，並且認為“假如沒有繪畫，也就沒有真正的攝影。”
在這種理論指導下，印象派攝影傢還用畫筆、鉛筆、橡皮在照片畫面上加工，特意改變其原有的明暗變化，追求“繪畫”的效果，如拉剋羅亞在一九零零年創作的《掃公園的人》，就象是一幅畫在畫布上的炭筆畫。印象派攝影傢使自己的作品完全喪失了攝影藝術自身的特點，所以有人又把它稱之為“仿畫派”。可以說它是繪畫主義攝影的一個分支。
這一流派的藝術特色是調子沉鬱，影紋粗糙，富有裝飾性，但缺乏空間感。其著名攝影傢有杜馬希（?-1937）、普約（1857-1933）、邱恩（1866-1944）、瓦采剋（1848-1903）、霍夫梅斯特兄弟（1868-1943;1871-1937）、杜爾柯夫（1848-1918）、埃夫爾特（1874-1948）、米尊內（1870-1943）、辛吞（1863-1908）、奇裏（1861-1947）等。
3.寫實攝影
寫實攝影是一種源遠流長的攝影流派，延綿至今，仍是攝影藝術中基本的、主要的流派。它是現實主義創作方法在攝影藝術領域中的反映。
該流派的攝影藝術傢在創作中恪守攝影的紀實特性，在他們看來，攝影應該具有“與自然本身相等同”的忠實性，畫面中的每一個細節，衹有具有“數學般的準確性”，作品才能發揮他種藝術媒介所不具有的感染力和說服力。a·斯蒂格利茨曾說：“衹有探討忠實，纔是我們的使命。”另一方面，他們又反對象鏡子那樣冷漠地、純客觀地反映對象，主張創作應該有所選擇，對所反映的事物應該有藝術傢自己的審美判斷。著名寫實攝影大師劉易斯·海因就說過這樣的名言：“我要揭露那些應加糾正的東西；同時，要反映那些應予表揚的東西。”可見他們崇尚藝術應該“反映人生”的觀點。他們敢於正視現實，創作題材大都取於社會生活。藝術風格質樸無華，但具有強烈的見證性和提示力量。
最早的寫實攝影愛好當推英國攝影傢菲利普·德拉莫特於1853年拍攝的那些火棉膠紀錄片。稍後，則是羅斯·芬頓的戰地攝影和六十年代末的威廉·傑剋遜的黃石奇觀。1870年以後，寫實攝影漸趨成熟，開始把鏡頭轉嚮社會，轉嚮生活。如當時的攝影傢巴納多博士就拍攝了流浪兒童的悲慘境遇，而震動了人們。
由於寫實攝影愛好所具有的巨大的認識作用和非凡的感染力，逐漸在新聞領域中占據了自己的地位。九十年代美國攝影傢雅𠔌布·裏斯關於紐約貧民窟生活的那些作品，就是這方面的奠基作品。
隨後，寫實攝影傢人才輩出，作品都以其強烈的現實性和深刻性而著稱於攝影史。例如英國勃蘭德的《拾煤者》；美國r·卡帕的《通故的法國女人被剃光頭遊街》；法國韋絲的《女孩》等等，不勝枚舉。
4.自然主義攝影
1899年，攝影傢彼得·亨利·愛默生鑒於繪畫主義創作的弱點，發表了一篇題為《自然主義的攝影》的論文，抨擊繪畫主義攝影是支離破碎的攝影，提倡攝影傢回到自然中去尋找創作靈感。他認為，自然是藝術的開始和終結，衹有最接近自然、酷似自然的藝術，纔是最高的藝術。他說，沒有一種藝術比攝影更精確、細緻、忠實地反映自然，“從感情上和心理上來說，攝影愛好的效果就在於感光材料所記錄下來的，沒有經過修飾的鏡頭景象。”該派另一位大師a·l·帕邱說得更明確：“美術應該交給美術傢去做，就我們攝影來說，並沒有什麽可藉重美術的，應該從事獨立性的創作。”
由此可見，這種藝術主張，是對繪畫主義的反動，它促使人們把攝影從學院派的桎梏中解脫出來，對充分發揮攝影自身特點有着促進作用。
這一流派的創作題材，大都是自然風光和社會生活。
由於自然主義攝影滿足於描寫現實的表面現實和細節的"絶對"真實，而忽視對現實本質的挖掘和對表面對象的提煉，一句話，不註意藝術創作的典型化和藝術形象的典型性，因而，它實質上是對現實主義的庸俗化。有時會導致對現實的歪麯。
這一派著名的攝影傢有德威森（1856-1930）、威爾欽遜（1857-1921）、葛爾（?-1906）、搔耶（1856-?）、薩特剋利夫（1859-1940）等。
5.純粹派攝影
純粹派攝影是成熟於二十世紀初的一種攝影藝術流派。其創導者為美國攝影傢斯蒂格裏茲（1864-1946）。他們主張攝影藝術應該發揮攝影自身的特質和性能，把它從繪畫的影響中解脫出來，用純淨的攝影技術去追求攝影所特具的美感效果－－高度的清晰、豐富的影調層次、微妙的光影變化、純淨的黑白影調、細緻的紋理表現、精確的形象刻畫。總之，該派攝影傢刻意追求所謂的“攝影素質”：準確、直接、精微和自然地去表現被攝對象的光、色、綫、形、紋、質諸方面，而不藉助任何其他造型藝術的媒介。
科班1913年送展的俯瞰紐約，就是純粹派中的佳作。攝影傢從高處俯瞰紐約某個廣場，雖沒有任何加工、修飾，但新穎的構圖，獨特的造型，使人耳目一新，再如e斯坦誠的k桑德伯格，則是用多次曝光的手法，了獨幅作品空間、時間的限製，在一個畫面中細膩地刻畫了詩人情緒的轉換，影調的組合和構圖的變化，極有韻律感。
從某個角度說，純粹派的某些主張和創作是形式主義和自然主義的“混血兒”，後來則衍變成“新即物主義”。但該流派在一定程度上曾促進了人們對攝影特性和表現技巧的探索和研究。
這一流派的著名攝影傢是斯特蘭德（1890-？）和group f 6.2攝影組織中的青年攝影傢，如亞丹斯、根令翰等。
純粹派後期的作品則嚮綫條、圖案和歪麯形象的抽象方面發展，其有影響的攝影傢是亞博、史丁納、史脫特文和伊凡思等。
6.新即物主義攝影
新即物主義攝影又稱“支配攝影”、“新現實主義攝影”。為本世紀二十年代出現的一種攝影藝術流派。
該流派的藝術特點是在常見的事物中尋求“美”。用近攝、特寫等手法，把被攝對象從整體中“分離”出來，突出地表現對象的某一細部，精確如實地刻畫它的表面結構，從而達到眩人耳目的視覺效果。它不考慮藝術的本質在於提示對象的本質，因而其美學思想是屬於自然主義範疇的。例如，攝影傢帕邱在一九二三年拍攝的火車頭的回轉軸就是用近攝手法，表現了火車頭回轉軸運轉時的狀態，由於畫面摒棄了其他細部因而給予觀衆的視覺印象是強烈的。
新即物主義的理論先驅是斯特蘭德，他對即物主義藝術特徵作了如下規定：“新即物主義乃是攝影的本質，並且也是攝影的産物和界限。”他認為，攝影“對生命的表現極強，而且需要觀察正確事物的眼睛。為此，並非根據敷衍的過程和操作方法，而是必須運用純淨的攝影術纔行。”新即物主義攝影的創作先驅則是阿傑和斯泰肯。而實際創始者為上面提到的帕邱。
帕邱反對攝影依賴於繪畫，他強調攝影藝術必須依靠攝影的自身特性，認為攝影的審美價值隱藏在自身的特性裏，衹有充分發揮攝影的自身特性才能創造出美，他說：“繪畫應該隨便由畫傢去畫，衹有根據固有的特質，才能創造出可以自立的攝影，沒有任何東西是從繪畫所藉用的”。
新即物主義攝影傢的功績是促使人們對攝影自身特性的研究和探索，把攝影從審美性的虛幻世界中拉回到現實生活中來。但是，由於過分強調了細部物質表面結構的描寫，為後來的抽象主義攝影提供了萌發的土壤。
一九二五年前後，由於出現了大口徑的小型照相機，新即物主義的表現領域有了新的發展，産生了不少人像作品及反映社會生活和自然風光的作品。
新即物主義的著名攝影傢有桑德（1876-1964）、勒斯基（1871-1956）、黑葛（1893-1955）、希爾夏（1881-1948）休利曼·霍培（1878-?）、埃夫特（1874-1948）、威斯吞·亞當斯（?-1902）等。
7.超現實主義攝影
超現實主義攝影為達達派沒落時期出現於攝影藝術領域中的一種流派，興起於本世紀三十年代。
這一流派有着較為嚴謹的藝術綱領和藝術理論。他們認為，用現實主義創作方法去表現現實世界是古典藝術傢早已完成了的任務，而現代藝術傢的使命是挖掘新的、未被探討過的那部分人類的“心靈世界”。因而，人類的下意識活動，偶然的靈感、心理變態和夢幻便成了超現實主義攝影藝術傢們刻意表現的對象。
攝影中的超現實主義者也象達達派攝影傢一樣，利用剪刀、漿糊、暗房技術作為自己主要的造型手段，在作品畫面上將景象加以堆砌、拼湊、改組，把具體的細部表現和任意的誇張、變形、省略和象徵的手法結合在一起，創造一種現實和臆想、具體和抽象之間的超現實的“藝術境界”。所以其效果是奇特、荒誕而又神秘的。
該流派的創始人是英國攝影傢絲頓和美國的布留奎爾（1880-1945）。真正完成者為英國舞臺攝影傢馬可賓（1905-?），他在自己的創作中，把"超現實"的虛和現實中的實揉合在一起，創造了一種既虛幻又實在的境界。例如，他在一九四六年創作的《馬可賓的自畫像》就是一幅很典型的超現實作品，它是運用四次曝光的手法拍攝出來的－－一次正面，兩次側面和一次一隻眼睛。
這一流派的著名攝影傢有從事超現實主義集錦照片的畫傢帕爾汗；變形人體攝影傢布蘭特；肖像兼宣傳攝影傢卡遜以及布魯門塔爾、洛林、哈爾斯曼、賴依等。
8.抽象攝影
抽象攝影為第一次世界大戰後出現的一種攝影藝術流派。
該流派的攝影傢否定造型藝術是以可審視的藝術形象來反映生活、表現藝術傢審美感受的這一基本特性，宣稱要把攝影"從攝影裏解放出來"。
初期，用無底放大法省略去“被攝體”的細部紋理和豐富影調，製作成僅表現其形狀的“光圖畫”。後來發展到或運用光綫，或剪輯集錦，或中途曝光，或拍攝時震動照相機使被攝體形象在底片中的結象模糊，或多次曝光使之重影，直到改變畫面的表面結構，改變被攝物體的原有形態和空間結構，力圖使用所謂形式、影調（色彩）和素材的“絶對抽象的語言”，使被攝物體轉變成某種不能辨認為何物的綫條、斑點和形狀的結合體。以表現該派藝術傢奉為圭臬的所謂人類最真實、最有本質力量的潛意識世界。在作品中，被攝物體衹不過是被藝術傢藉來隨心所欲地産生表現自身想象和個性“旋律”的音符。
抽象攝影的發軔者為泰爾博（1800-1877）。開始時，作品畫面仍保持一定程度的可辨認性。至一九一七年攝影傢科班（1882-?）用木片和透明玻璃碎片拍攝的《波爾多畫報》就已完全不可辨認了。一九二二年，匈牙利抽象畫傢莫荷利納基（1895-?）在曼瑞（1890-?）等人的基礎上加以發展，並從理論上予以確立。隨後，抽象畫傢康丁斯基、剋勒等引進了顯微攝影和x光攝影，從而大大擴大了抽象派攝影的表現範圍，豐富了攝影藝術的語言，建立了自己的藝術體係，並風行於歐美等國。
該流派的代表人物，除文中已提及的外，尚有史格特、芬寧格、安真蘭特、佛萊泰、溫隙斯特、格連巴晤、夏德和布留奎爾等。
9.堪的派攝影
堪的派攝影是第一次世界大戰後興起的、反對繪畫主義攝影的一大攝影流派。
這一流派的攝影傢主張尊重攝影自身特性，強調真實、自然，主張拍攝時不擺布、不干涉對象，提倡抓取自然狀態下被攝對象的瞬間情態。法國著名的“堪的”派攝影傢亨利·卡笛爾·布列鬆說過：“對我來說，攝影就是在一瞬間裏及時地把某一事件的意義和能夠確切地表達這一事件的精確的組織形式紀錄下來。”因而這一流派的藝術特色是客觀、真實、自然、親切、隨便、不事雕琢、形象生動而富有生活氣息。
“堪的”派中的攝影傢，就其美學思想和創作傾嚮而言，情況是比較復雜的，雖然他們都崇尚人性世態的表現，且大部分都從事於新聞攝影工作，但有的為自然主義者，有的為寫實主義者。
該流派的催生作品是一八九三年攝影傢阿爾弗雷德·斯迪格的《紐約第五街之鼕》，而真正完成者則是德國的攝影傢埃利剋·沙樂門博士。他用小型相機在一次德法總理舉行的夜間會議結束時拍攝的《羅馬政治會議》，由於它的生動、真實、樸實、自然，而成為該流派名垂攝影史的經典作品。
在攝影美學上，他們認為“以攝影的基本特點為基礎的照片，是畫傢或蝕刻傢所無法模仿的，它具有它自己的不可分割的我，具有自己特殊的表現力，甚至是用其他媒介不可能表現出來的特性”。其次，對客觀事物的表現，他們重視和強調獨創性，說：“（攝影傢要用）自己的眼光來看世界，不要通過別人的眼光來看世界，而這正是區分照片是平庸還是高明，有價值還是沒有價值的標準。”
該派著名的攝影傢有美國的托馬斯·道韋爾·麥阿沃依；英國的茜莉特·摩戴爾；法國的維剋托·哈夫門；以及路易斯·達爾·沃爾夫、彼得·斯塔剋彼爾·布魯維奇等等。
10.“達達派”攝影
“達達派”是第一次世界大戰期間出現於歐洲的一種文藝思想。“達達”，原為法國兒童語言中“小馬”或“玩具馬”的不連貫語匯。因為達達主義藝術傢在創作中否定理性和傳統文化，宣稱藝術和美學無緣，主張“棄繪畫和所有審美要求”，崇尚虛無，使創作近乎戲謔，因而人們把該藝術流派稱之為“達達派”。
在這種藝術思潮影響下，攝影藝術領域中也産生了“達達派”。著名攝影傢哈爾斯曼創作過一幅蒙娜麗莎，她那雙豐滿的手在這裏不僅變成了青筋暴突，汗毛叢生，而且還塞滿了鈔票。真可謂荒誕無稽，不倫不類。
達達派攝影藝術傢的創作，大都是利用暗房技術進行剪輯加工，創造某種虛幻的景象來表達自己的意念。例如lm納基的勒達和天鵝，把一個美麗的希臘神話故事，處理成某種晦澀怪誕、不可捉摸的圖像與綫條的組合。在畫面中，可視形象已不再以其自身的意義存在，而衹是某種意念的構成元素。還有人用翦輯的手段，使尼亞加拉大瀑布涌嚮紐約，製造了一個荒廖的世界末日的薑閔景象。
由於達達派攝影藝術作品不符合人們一般的審美趣味和審美要求，1924年以後就逐漸受到有較明確、完整的藝術豆腐和綱領的超現實主義藝術流派的衝擊。但其影響仍可在以後出現的現代派攝影藝術中窺見。
達達派的著名攝影傢有菲利普哈爾斯曼、摩根、拉茨羅摩荷利納基和利斯特基等。
11.主觀主義攝影
主觀主義攝影是一種在第二次世界大戰後形成的比抽象派攝影更為“抽象”的攝影藝術流派，所以又稱作“戰後派”。
它是存在主義哲學思潮在攝影藝術領域中的反映。其創始人是德國攝影傢奧特·斯坦內特。他認為，“攝影是本來具有發揮自己能力的寬闊領域，也具有高度的主觀能動作用。但目前卻成了一種機械的寫實主義”。於是提出了“攝影藝術主觀化的藝術主張。極力主張攝影藝術的終極應該是提示攝影傢自身的某些朦朧意念和表現不可言傳的內心狀態和下意識活動。”主觀攝影就是人格化、個性化的攝影。這便是該流派的藝術綱領。主觀攝影的藝術傢們極度強調自己的創造個性，蔑視一切已有藝術法則和審美標準。該派理論傢公開表示，“主觀攝影不僅僅是一種試驗性的圖像藝術，而是一種自由的不受限製的創造性藝術。”“我們可以任意使用技術手段去創造照片。”
其特點是：
1 畫面有“具象”和“抽象”兩種不論何種造型形式，自我意念的表現是其最終目的。畫面中的一切衹不過是攝影傢表現自我的“載體”而已。
2 充分利用鏡頭的透視特性，把被攝體從現實中"剝離"出來，“移”到畫面上去，－－即使用鏡頭的某些光學性能，把客觀的物體加以改造，使之成為意念的“物化體”，從而在畫面中組合成創造出自己的“世界”。而這世界往往是荒誕、神秘的，或者是令人百思而不得其解的。
3 利用近攝手段清晰而又強烈地強化和突出表現物體的某一細部形態。
4 運用暗房技法，把被攝對象原有的豐富影調簡化，將自然、平凡的關係轉換成強烈的視覺關係。
5 利用曝光手段（如多次曝光、連續閃光），使被攝體從時間概念中分離出來，能動地把時間概念和空間位置加以調換。
其著名的攝影傢除奧特、斯坦內特以外，還有傑·施莫爾、肖·範歐坎、蘭·佩恩、莫·弗剋爾特等。 |
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攝影藝術對於印象主義繪畫的影響在藝術史上非常有名，有人曾說：“印象派的畫傢都非常執着於攝影表現”。從以下幾個方面可以看出攝影對繪畫的顯著影響：
1. 照相機所表現對象的明暗對化。
2. 自由的構圖。
3. 背景描繪的略化。
這些都從
1、印象派畫傢們對於光的性質所采取的科學態度；
2、平面化的遠近法；
3、不習慣的角度；
4、對畫面端明確的處理等處表現出來。
印象派之後，畫傢和攝影的關係也是日益緊密，據說法國畫傢及雕塑傢德加（edgar degas西萊爾·熱爾曼）、埃德加（1834-1917）曾對拍攝的動物照片着迷一時。評論傢竜口修三（1903～1979）先生說："如果莫內是白晝的印象派，那麽德加就是夜晚的印象派。"有許多資料顯示，既是畫傢又是攝影傢的例子屢見不鮮。法國藝術傢圖盧茲·亨利 （1864-1901 henri de toulouse-lautrec）存有一張歡喜地抱着相機的照片，其他許多名人也都熱衷於攝影。我最喜歡的是一張貝納爾·撒拉（1844-1923）的照片，它的內容好像任何時候都不會過時。
日本在徳川末期到明治之間，曾有大批外國人在橫濱拍攝了當時日本的風俗照片，類似現在的明信片大小，卻深深留刻着歷史。日本的“橫濱繪”融合攝影與繪畫於一身；曾經還有過一種使用軸的攝影；畫傢淺井忠的作品《農人》，很明顯是一幅日本土産的攝影影像作品；在日本畫的世界，殘留有許多作為畫材資料使用過的花鳥、舞妓等攝影帖。在近代，竹久夢二先生的攝影集曾被新潮社出版，不同的是，作為詩人的萩原朔太郎拍攝了許多作品收錄其中。此外，有意思的是𠔌崎潤一郎先生的小說中常常有萊卡相機登場。 |
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1839年，法國的路易斯·雅剋·曼德·達蓋爾 （louis-jacques-mandé daguerre 1789-1851）發明了銀版攝影術，首先解决了光學映像的記錄問題。銀板照相法（daguerreotype）開啓了銀????攝影記錄的先河，這在繪畫史中有詳細的記錄。
更重要的事實是，早在照片出現以前或者是在同時，照片和繪畫之間就有着非常緊密的聯繫。曾共同從事研究的達蓋爾和尼普斯（1765- 1833）可以說對於印刷術的貢獻更大一些。當時盛行出版旅行記一類的書籍，市場對素描、肖像等的大規模印刷需要也日益增多，以往大量受雇的職業畫傢被快速普及的攝影所取代。當然，這一現象收到各界藝術傢的強烈反抗。堪稱美術界第一人的auguste曾要求法國政府禁止照片這一行業，但後來卻讓自己的模特在達蓋爾的攝影棚拍了照片，並於1856年完成了著名的作品《泉》。另一位曾稱攝影為"惡魔之手"的法國詩人波德萊爾·查爾斯·皮埃爾（1821- 1867）後來也請達蓋爾拍攝了兩張肖像，現在已經作為貴重的映像史料被收藏，這足以證明說服波德萊爾的達蓋爾作為攝影師的偉大功績 |
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達蓋爾與攝影館
路易·雅剋·芒戴·達蓋爾於1854年他開設了自己的攝影館，到1860年轉化為沙竜形式，在達蓋爾的攝影館中曾有相當數量的名人拍過照片，如大仲馬、法國作傢雨果、維剋托·瑪麗等人都拍攝過肖像。後來還成功的從熱氣球上拍攝到了巴黎的市容，有人還“諷刺”說：“達蓋爾把攝影升華到了藝術的高度！”。
從整體的角度來看，攝影的出現使得過去從事繪畫業的人大量失業，而一大批人開始從事攝影相關的修正、色彩等行業。最現實的問題是：相當數量的畫傢會考慮到，類似攝影的繪畫作品將失去其商業性--其中一部分作品做為藝術品當然具有價值，當從社會的大潮流來看，是可以這樣說的。因此，以剋勞德 ·莫內（claude monet 1840-1926）為代表的印象派開始出現。攝影傢達蓋爾的攝影棚開始作為各界著名藝術傢的沙竜，可以說繪畫藝術的印象是從這裏登場的。
莫奈的《印象》
1874年，印象派的第一回展覽會在巴黎達蓋爾的攝影棚舉行。以莫奈名為《印象》的作品在此展出，同時收到當時批評傢的指責，據說“印象派”的名稱就是自此而來。
攝影技術的出現，讓類似攝影的繪畫作品變得毫無價值，相比於如何正確描述被寫物，如何描寫作者對被寫物的“印象”變得重要起來，有許多繪畫的技法特徵都類似於攝影。前述倫布朗和佛梅爾二人的作品，對光學的正確反映是因為引入了科學性的過渡方法；我想，印象派在關於光的“色彩”方面也采用了科學性的手段。當然，倫布朗和佛梅爾的藝術風格和業績是這一切的基礎。 |
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單反 -- 就是指單鏡頭反光,即slr--single lens reflex 。
在這種係統中，反光鏡和棱鏡的獨到設計使得攝影者可以從取景器中直接觀察到通過鏡頭的影像。單鏡頭反光照相機的構造圖中可以看到，光綫透過鏡頭到達反光鏡後，折射到上面的對焦屏並結成影像，透過接目鏡和五棱鏡，我們可以在觀景窗中看到外面的景物。拍攝時，當按下快門鈕，反光鏡便會往上彈起，軟片前面的快門幕簾便同時打開，通過鏡頭的光綫(影像)便投影到軟片上使膠片感光，爾後反光鏡便立即恢復原狀，觀景窗中再次可以看到影像。單鏡頭反光相機的這種構造，確定了它是完全透過鏡頭對焦拍攝的，它能使觀景窗中所看到的影像和膠片上永遠一樣，它的取景範圍和實際拍攝範圍基本上一致，消除了旁軸平視取景照相機的視差現象，從學習攝影的角度來看，十分有利於直觀地取景構圖。 單鏡頭反光相機還有一個很大的特點就是可以交換不同規格的鏡頭
焦點 - 平行光綫通過透鏡形成的像點
焦距 - 從焦點到透鏡中心的距離
焦距的功能與作用：
焦距長短與成像大小成正比，焦距越長，成像越大，焦距越短，成像越小。
鏡頭焦距長短與視角大小成反比，焦距越長，景角越小，焦距越短，景角越大。
焦距長短與景深成反比，焦距越長景深越小，焦距越短，景深越大。
焦距長短與透視感的強弱成反比，焦距越長，透視感越弱，焦距越短，透視感越強。
焦距長短與反差成反比，焦距越長反差越小，焦距越短反差越大。
焦距、像距和物距的關係
鏡頭基本公式:
高斯成像公式 1/f=1/u+1/v
f——焦距、u——物距、v——像距
相對口徑——光圈直徑與焦距的比值，計算方法與有效口徑相同n'=d'/f
有效口徑——鏡頭人射光瞳最大直徑與焦距之比 n=d/f
景深
攝影時嚮某景物調焦，在該景物的前後形成一個清晰區，這個清晰區稱為全景深，簡稱景深。
使用大光圈，景深小
使用小光圈，景深大
物距小，景深小
使用廣角鏡，景深大
决定景深的三個基本因素：
光圈 光圈大小與景深成反比，光圈越大，景深越小。
焦距 焦距長短與景深成反比，焦距越大，景深越小。
物距 物距大小與景深成正比，物距越大，景深越大。
景深與像深
像深——景深前界和景深後界分別共軛的兩個成像平面之間的距離。像深與景深相對應，像深越大，景深也就越大。
確定景深的標準：135相機可允許的模糊圈直徑一般為 1/30 mm，即0.033 mm。
超焦距：
當鏡頭聚焦在無限遠時，位於無限遠的景物結成清晰的影像，同時在有限距離某一點上的物體也能達到清晰的標準，近於這一點的物體就模糊起來，那麽，這個物體到鏡頭之間的距離就是超焦距。
超焦距越大，景深越小。
光圈越大，超焦距越大，光圈開大一級，超焦距就增加0.5倍。 .焦距越長，超焦距越大。
嘗試一下：
如果某光圈的超焦距為10米，則調焦在10米時，景深為5米~∞，使景深增加了1/2超焦距，即5米。運用超焦距可把景深範圍內不同距離的動體都清楚地搶拍下來，免去調焦時間。
明度
鏡頭明度的大小就是光通量的多少
口徑大通光量多，明度就大，反之明度小
明度大小以光圈係數按倍數來計算
明度的大小是决定暴光的曝光的重要因數之一
場麯
在一個平坦的影象平面上， 影象的清晰度從中央嚮外發生變化，聚焦形成弧型， 就叫場麯.
原因是中心離鏡頭近，周邊離鏡頭遠
一般拍照團體人像，安排成弧型，就是糾正這一缺點
二道火快門
第一步先按下空擋，快門鈕的一半;第二次按到底，快門纔開
它能防止手振和減少按快門的時差，並能避免誤碰快門鈕，造成浪費.沒有二道火快門的相機，誤碰以下快門鈕，就浪費一張底片.
反光板
錫箔反光太亮， 可以用褶皺法使反光散射柔和;
用白紙反光板也叫柔和;
用白漆刷白的反光板， 容易變黃失去反光效果.
柔光板
在太陽與被攝物之間， 用白薄塑料布， 尼竜布等， 可以是光綫柔和， 降低反差.
反光傘
反光傘外觀和普通傘一樣. 傘內面是銀白色， 反射能力強. 使用時將傘安置在可以變換角度的雲臺上. 用強光燈照射傘內， 散射出的光綫很柔和， 陰影亦淡， 是理想的光源. 拍人像特寫時， 不受強光的刺激， 最適合於拍攝人像和靜物.
裝飾光
裝飾光主要是打出眼神光， 使用的是較小的燈. 或者在其他光種達不到的地方， 細部加強亮度， 表現質感和輪廓. 亦用這種燈光消除人物面部的缺陷， 如使瘦削的面龐顯得豐滿些.
白頭
指的是一種攝影鏡頭. 平時我們使用的大多是鍍了膜的鏡頭， 因為是增透膜， 所以反光比較少， 於是鏡頭看起來是淡紫色的. 而我們現在說的是那種沒有鍍膜的鏡頭， 所以反光比較多，看起來泛着白光， 所以稱為白頭.
感光度
表示感光材料感光的快慢程度。感光度的單位用“度”或“定”來表示，如“iso100/21”表示感光度為100度/21定的膠捲。感光度越高，膠片越靈敏（就是在同樣的拍攝環境下正常拍攝同一張照片所需要的光綫越少，其表現為能用更高的快門或更小的光圈）。200度的膠捲感光的靈敏度是100度膠捲的2倍，400度的膠捲的靈敏度是200度膠捲的2倍，其餘以此類推。
色溫
各種不同的光所含的不同色素稱為“色溫”。色溫的單位為“k”（開爾文）。我們通常所用的日光型彩色負片所能適應的色溫為5400k-5600k；燈光型a型、b型所能適應的色溫分別為3400k和3200k。所以，我們要根據拍攝對象、環境來選擇不同類型的膠捲，否則就會出現偏色現象（除非用濾色鏡校正色溫）。
附：色溫的定義“假設有一種黑色金屬，使之處於零下273度（絶對零度）的環境中，隨着溫度的升高，該黑色金屬就會發出不同波長的光，由該色光所對應金屬的溫度再加上273就是該種光的色溫”。例如，將該金屬加熱至2500攝氏度，該金屬就已發出紅光，這種紅光的色溫就是“2500+273”k，也就是說這種紅光的色溫就是2773k。色溫越低，長波長的光（紅、橙色光）的百分含量越高；色溫越高，短波長的光（藍、紫色光）的百分含量越高。例如：中午的日光的色溫大約是5500k；閃光燈的色溫約為5600k；蔚藍的天空的色溫大約為20000k；100瓦普通燈泡的光的色溫大約為2600k。
曝光
光到達膠片表面使膠片感光的過程。需註意的是，我們說的曝光是指膠片感光，這是我們要得到照片所必需經過的一個過程。這和非專業人士所說的“曝光”大不相同，他們所說的“曝光”是指因相機漏光導致膠捲作廢的意外事故。
相對孔徑
鏡頭有效通光口徑（光束直徑）與焦距的比值。相對孔徑越大，鏡頭就越“快”。如1:2.8、1:3.5-4.5等。在變焦鏡頭中，一般把相對孔徑固定的鏡頭稱為專業鏡頭，把相對孔徑不固定、但相對孔徑在1:2.8-1:4之間的鏡頭稱為準專業鏡頭，其餘則稱為普及型鏡頭。
曝光組合
是指在同一拍攝環境中可以使用不同的光圈和快門的組合。比如,用測光表測得快門為1/30秒時,光圈應用5.6,這樣，f5.6、1/30秒就是一個曝光組合。我們也可用f4和1/60秒的曝光組合代替（二者等效）,也可用f2.8和1/125秒的曝光組合代替。也就是說,這幾個組合是等效的。但我們特別要註意的是,雖然這幾個曝光組合是等效的,也就是說曝光是準確的,但不同組合所獲得的景深是不同的。
快門速度
快門開啓的時間。它是指光綫掃過膠片的時間（曝光時間）。例如，“1/30”是指曝光時間為1/30秒，同樣，“1/60”是指曝光時間為1/60秒，1/60秒的快門是1/30秒快門速度的兩倍，其餘以此類推。 |
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光綫主要包括四種特性——光綫的強度，光綫的性質，光綫的方向性，光綫的色彩。
我們主要講一講光綫的方向性，也就是我們常說的順光、側光、逆光、頂光照明。
1、順光照明這是一種效果最平的一種光，它不利用拍出被攝體的立體感和空間深度感，缺少生氣。
2、側光照明效果有明顯改善，被攝體的産生明暗變化顯出立感和表面質感，它比較符合人們正常的視覺習慣，所 以，在攝影中被廣泛的利用。
3、逆光照明它能夠勾畫出對象的形狀，使之與背景分開。在對象的形狀邊緣形成明亮的亮綫，能夠渲染所要表達的 氣氛，豐富和活躍畫面。
4、頂光照明的效果使畫面呈現出一種酷熱感，在人物的眼眶、鼻子和下巴下面造成濃重的投影，對人物的形象起着 醜化作用。 |
廣告攝影 Advertising Photography |
廣告攝影是以商品為主要拍攝對象的一種攝影，通過反映商品的形狀、結構、性能、色彩和用途等特點，從而引起顧客的購買欲望。廣告攝影是傳播商品信息、促進商品流通的重要手段。隨着商品經濟的不斷發展，廣告已經不是單純的商業行為，它已經成為現實生活的一面鏡子，成為廣告傳播的一種重要手段和媒介。
【水下攝影】
影視特技攝影（象）方法之一，即在水中攝影（象）。攝影（象）者攜帶有防護罩的攝影（象）機和潛水裝備，潛入水中直接拍攝。水下攝影（象）可真實地反映水下景象，如水生動植物的生活、海底和河床的地質資料、考古發現等。水下攝影（象）在科研、軍事技術、體育、教學等方面應用較廣。
攝影人員和攝影機潛入水中拍攝水中景物的方法。攝影人員身穿潛水衣，腳戴鴨脯，操縱水下攝影機拍攝，也可以將攝影人員和普通攝影機放在潛水設備中通過密封窗拍攝。較深的水下，須要水下照明燈光。也可以把水下攝影機潛入水中，攝影師在水面上面，遙控攝影機拍攝。
【紀實攝影】
紀實攝影（documentary photography）記錄社會生活等的攝影，與單純的記錄攝影不同之點是，將拍攝到的內容強烈訴諸於人民的個體報道性質的意思。
紀實攝影表現攝影傢對環境的關懷，對生命的尊重，對人性的追求……紀實攝影傢以冰冷的機器記錄邊緣景象或被人有意無意間“忽視”的事實，卻往往能藉着影像的力量，使攝影成為參與改造社會的工具。從紀實攝影發生的社會背景與歷史沒載看，它的批判性和幹革命性不言而喻。副産品紀實攝影史就是一部攝影傢對人世間的不公、黑暗、動亂、肅削……進行記錄、表述與傳播的歷史。通地影像，他們達到宣傳鼓動，進而促進社會變革，使人間更美好的目的。 |
世界著名攝影大賽 World-renowned photography contest |
普利策新聞攝影奬
開始於1917年的普利策奬由美國著名報人約瑟夫·普利策創立，主要分為新聞奬和文化藝術奬。
普利策逝後立下遺囑，將財産捐贈給哥倫比亞大學，設立普利策奬，奬勵新聞界、文學界、音樂界的卓越人士，該奬自1917年以來每年頒發一次。 85年來，普利策奬象徵了美國最負責任的寫作和最優美的文字。特別是新聞奬，更是美國報界的最高榮譽。每一個希望有所作為的美國記者無不以獲得普利策新聞奬作為奮鬥的目標。 普利策奬的評委由有成就的名記者組成。
當年的優勝者由評委審查、挑選，但評選結果需經哥倫比亞大學顧問委員會通過，並由哥倫比亞大學校長宣佈。 首屆普利策攝影奬是1942年頒發的。此後，除1946年外，每年頒發一次。從1968年開始，攝影類增設了專題新聞攝影奬，獲奬作品通常由一組照片組成。 普利策攝影奬獲奬作品具有重要意義。不少美國人對於許多重大事件的深刻印象是由當年普利策奬獲奬照片形成的。事實上，許多美國人是通過回憶他們第一次看到這些影像時正在做什麽來記錄自己的一生的。
世界新聞攝影比賽
世界新聞攝影比賽(wpp)又稱荷賽，是1956年由荷蘭三位攝影傢發起創立的基金會支持的，該基金會的宗旨是：“在全世界範圍內引起並增強人們對新聞攝影的廣泛興趣，傳播信息並加強國際間的相互理解。”
四十年來，世界新聞攝影比賽的規模在不斷擴大，到現在，每年都有數十個國傢近萬幅作品參賽，比賽項目發展到9類19項，是世界上參與範圍最廣，最具代表性和權威性的新聞攝影大賽。荷賽每年還常增設一些特別奬，如“匈牙利李斯特奬”、“奧斯卡·巴納剋奬”等。荷賽所涉及的題材的多樣性使其參賽及獲奬照片不但能基本涵括每年的重大事件，也能深入人類的日常生活，它的作品已成為人類所處的時代和歷史的見證。
哈蘇國際攝影奬
哈蘇基金會是由厄納和維剋多·哈蘇捐贈的遺産於1979年建立的。基金會的宗旨是促進自然科學和攝影領域的科學教育和研究。該基金會每年都撥款資助衆多項目，其中之一就是每年一度的哈蘇國際攝影奬。1989年，該基金會在瑞典哥德堡成立並嚮公衆開放了哈蘇攝影中心（哈蘇中心），該中心已經舉辦了一係列展覽和文化演講活動。值得一提的是，該中心還建有一個面嚮研究者和學生的攝影研究與參考書圖書館，收藏有包括歷屆哈蘇國際攝影奬獲奬者作品在內的豐富的圖片。
哈蘇國際攝影奬創辦於1980年，目前已經逐步成為一項國際攝影界重要的攝影賽事，主要宗旨是奬勵“一位公認的攝影師的主要成就”。該奬項由一批在國際上有影響力的攝影傢和資深專傢推薦3名候選人，最終得主則由哈蘇基金會董事會從3名候選人中選定。
【平遙國際攝影大展】
山西是華夏文明的重要發祥地之一，被譽為“中國古代建築博物館”、“中國古代藝術寶庫”，已被列入國傢重點的文物單位就有119處，居全國第一位。
平遙是中國歷史文化名城，是唯一一座列入世界文化遺産的中國漢民族古城，平遙古城的城墻始建於西周，至今已有近三千年的歷史，現在基本上保持首明初城墻建築的原貌。除了城墻外，整個古城由古城池、古街道、古建築群組成，包括了衆多的票號、武館、當鋪、商店、還有400多處保存完好的古四合院民居。
2001年，在國傢文化部、國務院新聞辦公室和山西省委、省政府的大力支持下，首次創辦的“平遙國際攝影節”完全按照國際規範操作，國內與國際接軌、傳統與現代互動，使平遙古城獨特的風貌、古樸的民風以及形式多樣的攝影活動交相逃映，在海內外産生了出乎預料的轟動效應。因此，經國傢文化部批準、組委會决定在2002年9月15-22日繼續舉辦這一盛會。
2002年平遙國際攝影大展吸引了來自法國、美國、西班牙、丹麥、俄羅斯、意大利、比利時、日本、韓國等國傢的著名攝影傢參展，他們展出的18組30個展覽全部是第一次在中國亮相。國內攝影展覽有33組65個，整體上突出了“世紀中國”的主題，我們從大展所展出的幾千幅作品中選部分精品，編輯成册，記載下這輝煌的瞬間。 |
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攝影 馬東慧 原圖在新浪博客 終於讓你飛
攝影是指使用某種專門設備進行影像記錄的過程， 一般我們使用機械照相機或者數碼相機進行攝影。 有時攝影也會被稱為照相，也就是通過物體所反射的光綫使感光介質曝光的過程。
英文攝影 Photography 一詞是源於希臘語 φως phos（光綫）和 γραφις graphis（繪畫、繪圖）或γραφη graphê，兩字一起的意思是“以光綫繪圖”。是指使用某種專門設備進行影像記錄的過程，一般我們使用機械照相機或者數碼照相機進行攝影。有時攝影也會被稱為照相，也就是通過物體所反射的光綫使感光介質曝光的過程。有人說過的一句精闢的語言：攝影傢的能力是把日常生活中稍縱即逝的平凡事物轉化為不朽的視覺圖像。
一般簡稱的攝影，即是用照相機，映像在底片，衝印底片成為單一相片，一張張作永久保存。但相片的影像是不動、無聲，僅供人觀賞其人物、意境，進而體會其涵義。
今天世界上仍存留最早的一張照片可以追溯至1827年，出自法國人約瑟夫‧尼埃普斯之手。 |
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記錄攝影
攝影之所以誕生，就是為了記錄的目的。它誕生之後所顯示出來的強大的生命力，也恰恰在於它的記錄功能。這是其他技術或藝術所無法比擬或取代的。因此，從廣義上說，攝影就是記錄。
藝術攝影
隨着攝影的發展，人們在攝影中不斷地增加藝術的元素，開始産生藝術攝影。它與記錄攝影的區別在於藝術性的多少與高低，而無絶對的界限。例如：我們去照張像作身份證或留個紀念，一般照相館拍攝的照片，最多有點資料或記錄價值。可是，鄭景康先生給齊白石先生拍的人像，50年過去了，至今仍是世界二十幅最優秀的人像作品之一。其中的差別完全在於藝術性的高低。
畫意攝影
畫意攝影以其唯美的畫面語言及美好的設計內涵一直是人像攝影的一種重要的表達方式。自攝影術發明至今，可以說，畫意攝影一直貫穿其中，並且在攝影發展史上起了幾個里程碑的作用。十九世紀後半頁，英國攝影傢雷蘭達拍攝出了曾被預言為“攝影新時代來臨了”的作品-----《人生的兩條路》，在攝影還被輕視的當時，這幅作品以其勸勉性的主題和油畫式的構圖，受到了維多利亞女王的極高評價。可以這樣說，雷蘭達對推進攝影被承認為一們藝術功不可沒。從此，畫意攝影也逐漸成為攝影藝術中的一個重要流派。
全息攝影
全息攝影是指一種記錄被攝物體反射波的振幅和位相等全部信息的新型攝影技術。普通攝影是記錄物體面上的光強分佈，它不能記錄物體反射光的位相信息，因而失去了立體感。全息攝影采用激光作為照明光源，並將光源發出的光分為兩束，一束直接射嚮感光片，另一束經被攝物的反射後再射嚮感光片。兩束光在感光片上疊加産生干涉，感光底片上各點的感光程度不僅隨強度也隨兩束光的位相關係而不同。所以全息攝影不僅記錄了物體上的反光強度，也記錄了位相信息。人眼直接去看這種感光的底片，衹能看到像指紋一樣的干涉條紋，但如果用激光去照射它，人眼透過底片就能看到原來被拍攝物體完全相同的三維立體像。一張全息攝影圖片即使衹剩下一小部分，依然可以重現全部景物。全息攝影可應用於工業上進行無損探傷，超聲全息，全息顯微鏡，全息攝影存儲器,全息電影和電視等許多方面。
1.繪畫主義攝影
繪畫主義攝影是流行於20世紀初攝影領域的一種藝術流派，它産生於十九世紀中葉的英國。
該派攝影傢在創作上追求繪畫的效果，或“詩情畫意”的境界。它大致經歷了這樣三個階段：仿畫階段；崇尚麯雅階段；畫意階段。
繪畫主義攝影傢提出，“應該産生攝影的拉斐爾和攝影的提茨安。”
繪畫主義攝影經歷了較長的發展時期，第一個繪畫主義攝影菜是英國畫傢希路（1802-1870），他擅長人像攝影，作品結構嚴謹，造型優雅。1851年至 1853年，是繪畫主義攝影的成長時期。1869年，英國攝影傢HP羅賓森（1830-1901）發表了攝影的畫意效果一書，他提出：“攝影傢一定要有豐富的情感和深入的藝術認識，方足以成為優秀的攝影傢。無疑的，攝影術的繼續改良和不斷發明啓示出更高的目標，足以令攝影傢更能自由發揮；但技術上的改良並非就等於藝術上的進。因為攝影本身無論如何精巧完備，還衹是一種帶引到更高的目標而已。”為該派奠定了理論基礎。
1857年，OG雷蘭德（1813-1875）創作了一幅由30餘張底片拼放而成的、具有文藝復興風格的作品：兩種生活方式，標志着繪畫主義攝影藝術上的成熟。
這一時期的作品，其題材大都富有宗教色彩，含有一定的規喻性。拍攝時，預告打好草圖，然後利用模特兒、道具，組織和安排場面，並通過暗房加工而成。追求照片畫面的繪畫效果。
隨後，繪畫主義攝影的內容有所擴大，但風格仍崇尚古典主義，造型和構圖仍具學院派的法則，因而顯得儲蓄、沉表、典雅。
當該流派發展到畫意階段時，追求作品的情感、意境和形式的美，依舊是它的特點。
由於繪畫主義攝影傢強調藝術修養：“如果想要使攝影在藝術上有地位，攝影傢就必須首先培養起審美的能力和育實藝術的修養。”所以其歷史功績是把攝影從初期機械地摹寫對象引導到造型藝術的領域中去，促使了攝影藝術的發展。
由於繪畫主義的創作大都脫離現實生活，加上攝影器材的日益改善，人們早美趣味的不斷發展，為“自然主義”所衝擊。儘管這樣，在今天的攝影藝術殿堂中，仍有它的席位。
這一流派的主要攝影傢和作品有：普萊期（?-1896）的男爵之宴、魯賓遜漂流記、寶塔情景；羅賓林的當一天工作完了的時候、秋天、兩個小姑娘、彌留、拿着毒藥瓶的朱麗葉、黎明和落日；雷蘭德洗禮者聖約朝霞之首、伊菲吉尼亞、優迪特與荷羅佛尼斯；金馬倫夫人（1815-1897）的湯姆士卡萊爾和尼達（1820-1910）的彌留之際的囂俄等等。
2.印象派攝影
1899年，英國舉辦了法國印象派繪畫的首次展覽。繪畫主義派攝影傢羅賓森在其影響下，提出“軟調攝影比尖銳攝影更優美”的審美標準，提倡“軟調”攝影。該流派是繪畫印象派在攝影藝術領域中的反映。
開始，他們運用軟焦點鏡頭進行拍攝，布紋紙洗印，追求一種模糊朦朧的藝術表現效果。隨着“溴化銀洗相法”和在顔料中混入重鉻酸膠洗相紙法的出現，印象派作品從對鏡頭成象的控製發展到暗房加工。他們提出“要使作品看起來完全不象照片”，並且認為“假如沒有繪畫，也就沒有真正的攝影。”
在這種理論指導下，印象派攝影傢還用畫筆、鉛筆、橡皮在照片畫面上加工，特意改變其原有的明暗變化，追求“繪畫”的效果，如拉剋羅亞在一九零零年創作的《掃公園的人》，就象是一幅畫在畫布上的炭筆畫。印象派攝影傢使自己的作品完全喪失了攝影藝術自身的特點，所以有人又把它稱之為“仿畫派”。可以說它是繪畫主義攝影的一個分支。
這一流派的藝術特色是調子沉鬱，影紋粗糙，富有裝飾性，但缺乏空間感。其著名攝影傢有杜馬希（?-1937）、普約（1857-1933）、邱恩（1866-1944）、瓦采剋（1848-1903）、霍夫梅斯特兄弟（1868-1943;1871-1937）、杜爾柯夫（1848-1918）、埃夫爾特（1874-1948）、米尊內（1870-1943）、辛吞（1863-1908）、奇裏（1861-1947）等。
3.寫實攝影
寫實攝影是一種源遠流長的攝影流派，延綿至今，仍是攝影藝術中基本的、主要的流派。它是現實主義創作方法在攝影藝術領域中的反映。
該流派的攝影藝術傢在創作中恪守攝影的紀實特性，在他們看來，攝影應該具有“與自然本身相等同”的忠實性，畫面中的每一個細節，衹有具有“數學般的準確性”，作品才能發揮他種藝術媒介所不具有的感染力和說服力。A·斯蒂格利茨曾說：“衹有探討忠實，纔是我們的使命。”另一方面，他們又反對象鏡子那樣冷漠地、純客觀地反映對象，主張創作應該有所選擇，對所反映的事物應該有藝術傢自己的審美判斷。著名寫實攝影大師劉易斯·海因就說過這樣的名言：“我要揭露那些應加糾正的東西；同時，要反映那些應予表揚的東西。”可見他們崇尚藝術應該“反映人生”的觀點。他們敢於正視現實，創作題材大都取於社會生活。藝術風格質樸無華，但具有強烈的見證性和提示力量。
最早的寫實攝影愛好當推英國攝影傢菲利普·德拉莫特於1853年拍攝的那些火棉膠紀錄片。稍後，則是羅斯·芬頓的戰地攝影和六十年代末的威廉·傑剋遜的黃石奇觀。1870年以後，寫實攝影漸趨成熟，開始把鏡頭轉嚮社會，轉嚮生活。如當時的攝影傢巴納多博士就拍攝了流浪兒童的悲慘境遇，而震動了人們。
由於寫實攝影愛好所具有的巨大的認識作用和非凡的感染力，逐漸在新聞領域中占據了自己的地位。九十年代美國攝影傢雅𠔌布·裏斯關於紐約貧民窟生活的那些作品，就是這方面的奠基作品。
隨後，寫實攝影傢人才輩出，作品都以其強烈的現實性和深刻性而著稱於攝影史。例如英國勃蘭德的《拾煤者》；美國R·卡帕的《通故的法國女人被剃光頭遊街》；法國韋絲的《女孩》等等，不勝枚舉。
4.自然主義攝影
1899年，攝影傢彼得·亨利·愛默生鑒於繪畫主義創作的弱點，發表了一篇題為《自然主義的攝影》的論文，抨擊繪畫主義攝影是支離破碎的攝影，提倡攝影傢回到自然中去尋找創作靈感。他認為，自然是藝術的開始和終結，衹有最接近自然、酷似自然的藝術，纔是最高的藝術。他說，沒有一種藝術比攝影更精確、細緻、忠實地反映自然，“從感情上和心理上來說，攝影愛好的效果就在於感光材料所記錄下來的，沒有經過修飾的鏡頭景象。”該派另一位大師A·L·帕邱說得更明確：“美術應該交給美術傢去做，就我們攝影來說，並沒有什麽可藉重美術的，應該從事獨立性的創作。”
由此可見，這種藝術主張，是對繪畫主義的反動，它促使人們把攝影從學院派的桎梏中解脫出來，對充分發揮攝影自身特點有着促進作用。
這一流派的創作題材，大都是自然風光和社會生活。
由於自然主義攝影滿足於描寫現實的表面現實和細節的"絶對"真實，而忽視對現實本質的挖掘和對表面對象的提煉，一句話，不註意藝術創作的典型化和藝術形象的典型性，因而，它實質上是對現實主義的庸俗化。有時會導致對現實的歪麯。
這一派著名的攝影傢有德威森（1856-1930）、威爾欽遜（1857-1921）、葛爾（?-1906）、搔耶（1856-?）、薩特剋利夫（1859-1940）等。
5.純粹派攝影
純粹派攝影是成熟於二十世紀初的一種攝影藝術流派。其創導者為美國攝影傢斯蒂格裏茲（1864-1946）。他們主張攝影藝術應該發揮攝影自身的特質和性能，把它從繪畫的影響中解脫出來，用純淨的攝影技術去追求攝影所特具的美感效果－－高度的清晰、豐富的影調層次、微妙的光影變化、純淨的黑白影調、細緻的紋理表現、精確的形象刻畫。總之，該派攝影傢刻意追求所謂的“攝影素質”：準確、直接、精微和自然地去表現被攝對象的光、色、綫、形、紋、質諸方面，而不藉助任何其他造型藝術的媒介。
科班1913年送展的俯瞰紐約，就是純粹派中的佳作。攝影傢從高處俯瞰紐約某個廣場，雖沒有任何加工、修飾，但新穎的構圖，獨特的造型，使人耳目一新，再如E斯坦誠的K桑德伯格，則是用多次曝光的手法，了獨幅作品空間、時間的限製，在一個畫面中細膩地刻畫了詩人情緒的轉換，影調的組合和構圖的變化，極有韻律感。
從某個角度說，純粹派的某些主張和創作是形式主義和自然主義的“混血兒”，後來則衍變成“新即物主義”。但該流派在一定程度上曾促進了人們對攝影特性和表現技巧的探索和研究。
這一流派的著名攝影傢是斯特蘭德（1890-？）和F64小組攝影組織中的攝影傢，如亞當斯、坎寧安等。
純粹派後期的作品則嚮綫條、圖案和歪麯形象的抽象方面發展，其有影響的攝影傢是亞博、史丁納、史脫特文和伊凡思等。
6.新即物主義攝影
新即物主義攝影又稱“支配攝影”、“新現實主義攝影”。為本世紀二十年代出現的一種攝影藝術流派。
該流派的藝術特點是在常見的事物中尋求“美”。用近攝、特寫等手法，把被攝對象從整體中“分離”出來，突出地表現對象的某一細部，精確如實地刻畫它的表面結構，從而達到眩人耳目的視覺效果。它不考慮藝術的本質在於提示對象的本質，因而其美學思想是屬於自然主義範疇的。例如，攝影傢帕邱在一九二三年拍攝的火車頭的回轉軸就是用近攝手法，表現了火車頭回轉軸運轉時的狀態，由於畫面摒棄了其他細部因而給予觀衆的視覺印象是強烈的。
新即物主義的理論先驅是斯特蘭德，他對即物主義藝術特徵作了如下規定：“新即物主義乃是攝影的本質，並且也是攝影的産物和界限。”他認為，攝影“對生命的表現極強，而且需要觀察正確事物的眼睛。為此，並非根據敷衍的過程和操作方法，而是必須運用純淨的攝影術纔行。”新即物主義攝影的創作先驅則是阿傑和斯泰肯。而實際創始者為上面提到的帕邱。
帕邱反對攝影依賴於繪畫，他強調攝影藝術必須依靠攝影的自身特性，認為攝影的審美價值隱藏在自身的特性裏，衹有充分發揮攝影的自身特性才能創造出美，他說：“繪畫應該隨便由畫傢去畫，衹有根據固有的特質，才能創造出可以自立的攝影，沒有任何東西是從繪畫所藉用的”。
新即物主義攝影傢的功績是促使人們對攝影自身特性的研究和探索，把攝影從審美性的虛幻世界中拉回到現實生活中來。但是，由於過分強調了細部物質表面結構的描寫，為後來的抽象主義攝影提供了萌發的土壤。
一九二五年前後，由於出現了大口徑的小型照相機，新即物主義的表現領域有了新的發展，産生了不少人像作品及反映社會生活和自然風光的作品。
新即物主義的著名攝影傢有桑德（1876-1964）、勒斯基（1871-1956）、黑葛（1893-1955）、希爾夏（1881-1948）休利曼·霍培（1878-?）、埃夫特（1874-1948）、威斯吞·亞當斯（?-1902）等。
7.超現實主義攝影
超現實主義攝影為達達派沒落時期出現於攝影藝術領域中的一種流派，興起於本世紀三十年代。
這一流派有着較為嚴謹的藝術綱領和藝術理論。他們認為，用現實主義創作方法去表現現實世界是古典藝術傢早已完成了的任務，而現代藝術傢的使命是挖掘新的、未被探討過的那部分人類的“心靈世界”。因而，人類的下意識活動，偶然的靈感、心理變態和夢幻便成了超現實主義攝影藝術傢們刻意表現的對象。
攝影中的超現實主義者也象達達派攝影傢一樣，利用剪刀、漿糊、暗房技術作為自己主要的造型手段，在作品畫面上將景象加以堆砌、拼湊、改組，把具體的細部表現和任意的誇張、變形、省略和象徵的手法結合在一起，創造一種現實和臆想、具體和抽象之間的超現實的“藝術境界”。所以其效果是奇特、荒誕而又神秘的。
該流派的創始人是英國攝影傢絲頓和美國的布留奎爾（1880-1945）。真正完成者為英國舞臺攝影傢馬可賓（1905-?），他在自己的創作中，把"超現實"的虛和現實中的實揉合在一起，創造了一種既虛幻又實在的境界。例如，他在一九四六年創作的《馬可賓的自畫像》就是一幅很典型的超現實作品，它是運用四次曝光的手法拍攝出來的－－一次正面，兩次側面和一次一隻眼睛。
這一流派的著名攝影傢有從事超現實主義集錦照片的畫傢帕爾汗；變形人體攝影傢布蘭特；肖像兼宣傳攝影傢卡遜以及布魯門塔爾、洛林、哈爾斯曼、賴依、等。
8.抽象攝影
抽象攝影為第一次世界大戰後出現的一種攝影藝術流派。
該流派的攝影傢否定造型藝術是以可審視的藝術形象來反映生活、表現藝術傢審美感受的這一基本特性，宣稱要把攝影"從攝影裏解放出來"。
初期，用無底放大法省略去“被攝體”的細部紋理和豐富影調，製作成僅表現其形狀的“光圖畫”。後來發展到或運用光綫，或剪輯集錦，或中途曝光，或拍攝時震動照相機使被攝體形象在底片中的結象模糊，或多次曝光使之重影，直到改變畫面的表面結構，改變被攝物體的原有形態和空間結構，力圖使用所謂形式、影調（色彩）和素材的“絶對抽象的語言”，使被攝物體轉變成某種不能辨認為何物的綫條、斑點和形狀的結合體。以表現該派藝術傢奉為圭臬的所謂人類最真實、最有本質力量的潛意識世界。在作品中，被攝物體衹不過是被藝術傢藉來隨心所欲地産生表現自身想象和個性“旋律”的音符。
抽象攝影的發軔者為泰爾博（1800-1877）。開始時，作品畫面仍保持一定程度的可辨認性。至一九一七年攝影傢科班（1882-?）用木片和透明玻璃碎片拍攝的《波爾多畫報》就已完全不可辨認了。一九二二年，匈牙利抽象畫傢莫荷利納基（1895-?）在曼瑞（1890-?）等人的基礎上加以發展，並從理論上予以確立。隨後，抽象畫傢康丁斯基、剋勒等引進了顯微攝影和X光攝影，從而大大擴大了抽象派攝影的表現範圍，豐富了攝影藝術的語言，建立了自己的藝術體係，並風行於歐美等國。
該流派的代表人物，除文中已提及的外，尚有史格特、芬寧格、安真蘭特、佛萊泰、溫隙斯特、格連巴晤、夏德和布留奎爾等。
9.堪的派攝影
堪的派攝影是第一次世界大戰後興起的、反對繪畫主義攝影的一大攝影流派。
這一流派的攝影傢主張尊重攝影自身特性，強調真實、自然，主張拍攝時不擺布、不干涉對象，提倡抓取自然狀態下被攝對象的瞬間情態。法國著名的“堪的”派攝影傢亨利·卡笛爾·布列鬆說過：“對我來說，攝影就是在一瞬間裏及時地把某一事件的意義和能夠確切地表達這一事件的精確的組織形式紀錄下來。”因而這一流派的藝術特色是客觀、真實、自然、親切、隨便、不事雕琢、形象生動而富有生活氣息。
“堪的”派中的攝影傢，就其美學思想和創作傾嚮而言，情況是比較復雜的，雖然他們都崇尚人性世態的表現，且大部分都從事於新聞攝影工作，但有的為自然主義者，有的為寫實主義者。
催生該流派的作品是一八九三年攝影傢阿爾弗雷德·斯蒂格利茨的《紐約第五街之鼕》，而真正完成者則是德國的攝影傢埃利剋·沙樂門博士。他用小型相機在一次德法總理舉行的夜間會議結束時拍攝的《羅馬政治會議》，由於它的生動、真實、樸實、自然，而成為該流派名垂攝影史的經典作品。
在攝影美學上，他們認為“以攝影的基本特點為基礎的照片，是畫傢或蝕刻傢所無法模仿的，它具有它自己的不可分割的我，具有自己特殊的表現力，甚至是用其他媒介不可能表現出來的特性”。其次，對客觀事物的表現，他們重視和強調獨創性，說：“（攝影傢要用）自己的眼光來看世界，不要通過別人的眼光來看世界，而這正是區分照片是平庸還是高明，有價值還是沒有價值的標準。”
該派著名的攝影傢有美國的托馬斯·道韋爾·麥阿沃依；英國的茜莉特·摩戴爾；法國的維剋托·哈夫門；以及路易斯·達爾·沃爾夫、彼得·斯塔剋彼爾·布魯維奇等等。
10.“達達派”攝影
“達達派”是第一次世界大戰期間出現於歐洲的一種文藝思想。“達達”，原為法國兒童語言中“小馬”或“玩具馬”的不連貫語匯。因為達達主義藝術傢在創作中否定理性和傳統文化，宣稱藝術和美學無緣，主張“棄繪畫和所有審美要求”，崇尚虛無，使創作近乎戲謔，因而人們把該藝術流派稱之為“達達派”。
在這種藝術思潮影響下，攝影藝術領域中也産生了“達達派”。著名攝影傢哈爾斯曼創作過一幅蒙娜麗莎，她那雙豐滿的手在這裏不僅變成了青筋暴突，汗毛叢生，而且還塞滿了鈔票。真可謂荒誕無稽，不倫不類。
達達派攝影藝術傢的創作，大都是利用暗房技術進行剪輯加工，創造某種虛幻的景象來表達自己的意念。例如LM納基的勒達和天鵝，把一個美麗的希臘神話故事，處理成某種晦澀怪誕、不可捉摸的圖像與綫條的組合。在畫面中，可視形象已不再以其自身的意義存在，而衹是某種意念的構成元素。還有人用翦輯的手段，使尼亞加拉大瀑布涌嚮紐約，製造了一個荒廖的世界末日的薑閔景象。
由於達達派攝影藝術作品不符合人們一般的審美趣味和審美要求，1924年以後就逐漸受到有較明確、完整的藝術豆腐和綱領的超現實主義藝術流派的衝擊。但其影響仍可在以後出現的現代派攝影藝術中窺見。
達達派的著名攝影傢有菲利普哈爾斯曼、摩根、拉茨羅摩荷利納基和利斯特基等。
11.主觀主義攝影
主觀主義攝影是一種在第二次世界大戰後形成的比抽象派攝影更為“抽象”的攝影藝術流派，所以又稱作“戰後派”。
它是存在主義哲學思潮在攝影藝術領域中的反映。其創始人是德國攝影傢奧特·斯坦內特。他認為，“攝影是本來具有發揮自己能力的寬闊領域，也具有高度的主觀能動作用。但目前卻成了一種機械的寫實主義”。於是提出了“攝影藝術主觀化的藝術主張。極力主張攝影藝術的終極應該是提示攝影傢自身的某些朦朧意念和表現不可言傳的內心狀態和下意識活動。”主觀攝影就是人格化、個性化的攝影。這便是該流派的藝術綱領。主觀攝影的藝術傢們極度強調自己的創造個性，蔑視一切已有藝術法則和審美標準。該派理論傢公開表示，“主觀攝影不僅僅是一種試驗性的圖像藝術，而是一種自由的不受限製的創造性藝術。”“我們可以任意使用技術手段去創造照片。”
西方人體攝影的嬗變 世界藝術史上，在希臘和歐洲文藝復興時期出現過人體藝術的輝煌時期，其後誕生的攝影藝術，在經歷了初期令人震驚的再現客觀現實的藝術表現力後，富有探索精神和創造力的攝影傢就開始嚮人體攝影領域的突進。1857年瑞典攝影傢、後來留居英國的雷達蘭，拍攝了一幅在攝影史上奉為經典之作的《人生的兩條道路》，這幅情節豐富，場面浩繁的畫面，運用了大量的人體作品，主題是觀善懲惡，以白鬢長者為中心，兩邊兩組人物體現了兩種不同的道德觀念、生活理想和人生歷程。左邊表示勤勉、友善、進取，右邊則表示貪婪、享樂、墮落。共用30多張底片剪輯拼貼放大而成。這本來是一次非常富有想象力和積極意義的藝術創舉，也受到當時的維多利亞女王的賞識。在曼徹斯特舉行的重要造型藝術作品展覽會上為新興的攝影藝術贏得了極高聲譽。但是它也受到了少數人的攻擊，說它動用那麽多裸女，姿態粗野淫糜，流於色情等等。可見，古今中外，人體藝術無論它有多麽積極的思想意義或高明的藝術處理，都會受到一些人的非難和攻擊，這恐怕已成為一種規律性反應了。
無論如何，他們不可能陰攔人體攝影藝術的發展。繼繪畫主義攝影之後而起印象主義攝影的開拓者卡梅隆夫人，除在名人肖像方面卓有成效外，依據希臘神話、聖經故事而拍攝的主題性照片中，有不少兒童人體照片。兒童人體是早期攝影傢非常迷戀的題材。弗蘭剋·薩特剋利夫拍攝的《水耗子》（1886年攝）具有劃時代的意義，主要在於他第一次跳出攝影室，跳出依據神話故事排演、模特兒裝扮的僵化創作模式，走嚮人間，走嚮自然。傍晚的小河邊，夕陽餘輝把一群在水中嬉戲的孩子照得通體透亮，水衹沒腳脖子，他們或蹲或坐，或仰臥或側身，有的眺望遠方岸邊煙霧騰騰的工礦井架，有的相互耳語。在工業時代的背景前，在大自然的真實環境中展示孩子天真活潑的情趣和他們矯健、稚嫩的體形姿態，把風俗民情和兒童人體揉和在一起，使作品包孕着豐富的內涵。
19世紀末，康曼瑞·C·普尤拍攝的《模特兒》，是攝影史上出現的最嚴格意義上的標準的人體攝影。站立的女模特兒，微側的背影，兩手臂伸出，一高一低，倚墻而立，身邊床上斜置的衣衫，右下角的軟鞋，及背影墻壁上的一些畫框，這種佈局和姿態，看來是受繪畫影響，而沒有完全成為真正屬於攝影的人體作品。
本世紀初至30年代，是世界人體攝影走嚮成熟、不同風格的流派紛呈，各種形式、意藴備具，洋洋大觀、繁茂發達的重要歷史時期。這個時期有代表性的攝影傢是：
韋斯頓（Edward Weston）：他在1924～1925年以對攝影藝術的貢獻榮獲白金漢奬金，創作欲望和題材大大擴充，創作力更趨活躍的時候，拍攝了一係列人體作品。他曾經說過：“我無須去拍預先想好的姿態”，生活中的圖像、人體本身固有的美和一些動人的姿態打動了他纔投入拍攝的。如1923年9月，他在墨西哥城的日記中寫道：“這裏有令人神魂顛倒的陽光、表面結構，質地有趣的白墻，和各種各樣的雲，單是這些就足夠我許多個月不知疲倦地拍都拍不完的創作題材。”直到1924年7月9日，他在日記裏一開頭就高喊：“雲彩再一次誘惑我……還有什麽東西能比雲彩的形式美能逃避我的鏡頭的捕捉！……的確，我的眼睛和思想是朝嚮天空的，當我把眼睛往下一瞥，我看見泰娜裸體地躺在Azotea上進行日光浴，我的雲的工作便結束了。我把照相機轉嚮一個更加現實的主題，並獲得極為有趣的成功的負片。”這裏，威斯頓透露了他人體攝影樸素的創作思想，也概括了他人體攝影基本的藝術特質，那就是富有濃郁的生活氣息和極其優美的形式美感。
曼雷（Man Ray）：這是一位達達主義的畫傢兼攝影傢，達達主義攝影的創立者。他迷戀於攝影光效應，用各種技法拍攝了一係列人體作品。其中有剛勁的充滿力度感年輕男子人體，也有女詩人、女畫傢以至酒吧女郎的人體作品，或用中途曝光，或用正底負像法，或加網紋圖案，或用筆繪補充，造成豐富多樣，蔚為奇觀的人體作品。曼雷基於他對藝術攝影藝術的看法，認為“自然並沒有創造藝術作品，是我們和人類心智特有的闡述能力發明了藝術。”又說：“藝術作品取决於人，管他使用什麽表現工具。”在充分自由的心態下發掘攝影的創造性和靈感，使曼雷的作品脫離了一切固有的形式羈絆。“嬉笑怒駡皆成文章”，舒捲自如，又不失其藝術魅力。
有這樣一個例證：超現實主義作傢朗西斯·畢加比亞，身材高大，壯碩無比，有人說他像一頭牛。曼雷的評價是"漂亮、高大而健壯"，精心給照了一張他光脊梁的半身裸體照，引起人們極大興趣，甚至改變了一些人的看法，畢加比亞也非常喜歡。曼雷還給他摯愛的女友姬姬照了一張裸照。姬姬坐着，戴着東方式頭巾，從背影看去，這種姿態令人一下就想起安格爾的油畫名作《健壯的浴女》。曼雷在突發的靈感啓示下，在照片加了兩個音孔，有人說是性的暗示，其實，曼·瑞衹是為了更充分表現自己內心的感受和構想罷了。
以曼雷為標志，人體攝影經歷了傳統的、繪畫主義的，以至生活化的發展階段之後，進入現代主義的藝術表現階段。攝影界已不滿足於描繪客現存在的人體美，而更多地追求自己的主觀感受。通過攝影的藝術造型，攝影的技術技巧，把自己獨特的剎那間的印象、把自己心田深處的審美理想外化為生動的人體形象。
早期一直以拍攝英國下層勞動人民苦難生活著稱的攝影大師布蘭特，晚期仍保持他獨有的原始美粗獷美的自然質樸、強反差、粗粒子的風格特徵，在題材內容上卻轉而拍攝女性人體，自成一格，獨具風采。布蘭特捨而不用現代高精密度的照相器材，改用老式磨得錚亮的桃花心木製成的“鷹眼”柯達照相機。這種照相機確屬“老掉牙”的“老爺機”，它沒有快門，焦點也是固定的，光圈衹有針眼大小，景深短，極為容易變形。布蘭特既非發思古之幽情，亦非一時心血來潮，他是為了利用這種鏡頭容易變形的特點，創造超現實主義的人體攝影之美。我們不難發現，布蘭特的藝術匠心確實收到預期效果。他的人體由於巧妙的運用特殊技法，或突出臂，或突出腿，或突出胸，或突出臉，以至或突出手，或突出腳，真正對人體作多攝角、多視角的審視，擴充豐富了人體攝影之美。布蘭特人體攝影得到藝術界包括畫界、文學界、攝影界的肯定，在人體攝影中獨樹一幟，飲譽世界。
西方人體攝影的發展趨勢是非常明顯的。在發展常規的傳統的人體攝影的同時，也風行表達強烈的主觀感受、現代攝影語言、創造多種流派、風格的作品，以至出現了畸形、切割、重組、神秘、荒誕、醜陋的意境。如傑瑞·鬱斯曼的象徵意味的人體攝影、羅傑·麥丁的《隨意的人體》、托德·窩爾剋的原始碩大造型的人體攝影、羅伯特·亨內斯欽及啓德蘇·俄剋哈馬等的切割重組的人體攝影、李思麗·剋羅娜斯的荒誕意味人體攝影及寧達、康偌道尼·米切爾等的有性感意味的人體攝影等。
中國·東方文化與人體攝影
綜上，同樣以東方文化為背景的中、日等國人體攝影，同樣存在兩種截然不同的藝術傾嚮－一種是極力使之和東方文化、本民族文化結合，創造具有鮮明特色的人體攝影，一種是無所顧忌的和西方文化、歐美文化相結合，創造個性強烈突出的人體攝影。二者各有其作者群和讀者、觀衆群，可以並行不悖，各自得到發展。
其特點是：
1 畫面有“具象”和“抽象”兩種不論何種造型形式，自我意念的表現是其最終目的。畫面中的一切衹不過是攝影傢表現自我的“載體”而已。
2 充分利用鏡頭的透視特性，把被攝體從現實中"剝離"出來，“移”到畫面上去，－－即使用鏡頭的某些光學性能，把客觀的物體加以改造，使之成為意念的“物化體”，從而在畫面中組合成創造出自己的“世界”。而這世界往往是荒誕、神秘的，或者是令人百思而不得其解的。
3 利用近攝手段清晰而又強烈地強化和突出表現物體的某一細部形態。
4 運用暗房技法，把被攝對象原有的豐富影調簡化，將自然、平凡的關係轉換成強烈的視覺關係。
5 利用曝光手段（如多次曝光、連續閃光），使被攝體從時間概念中分離出來，能動地把時間概念和空間位置加以調換。
其著名的攝影傢除奧特、斯坦內特以外，還有傑·施莫爾、肖·範歐坎、蘭·佩恩、莫·弗剋爾特等。 |
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達蓋爾與攝影館
路易·雅剋·芒戴·達蓋爾於1854年他開設了自己的攝影館，到1860年轉化為沙竜形式，在達蓋爾的攝影館中曾有相當數量的名人拍過照片，如大仲馬、法國作傢雨果、維剋托·瑪麗等人都拍攝過肖像。後來還成功的從熱氣球上拍攝到了巴黎的市容，有人還“諷刺”說：“達蓋爾把攝影升華到了藝術的高度！”。
從整體的角度來看，攝影的出現使得過去從事繪畫業的人大量失業，而一大批人開始從事攝影相關的修正、色彩等行業。最現實的問題是：相當數量的畫傢會考慮到，類似攝影的繪畫作品將失去其商業性--其中一部分作品做為藝術品當然具有價值，當從社會的大潮流來看，是可以這樣說的。因此，以剋勞德 ·莫內（Claude Monet 1840-1926）為代表的印象派開始出現。攝影傢達蓋爾的攝影棚開始作為各界著名藝術傢的沙竜，可以說繪畫藝術的印象是從這裏登場的。
【攝影名詞解釋】
1.什麽是ae鎖？
AE是Automatic Exposure自動曝光控製裝置的縮寫，ae鎖就是鎖定於某一ae設置，用於自動曝光時人為控製曝光量，保證主體曝光正常。使用ae鎖有幾點需要註意：1、手動方式或自拍時不能使用自動曝光(ae)鎖。2、按下自動曝光(ae)鎖之後不要再調節光圈大小。3、用閃光燈攝影時不要使用(ae)鎖。
2.什麽是ccd？
CCD既為"電子耦合組件"( Charged Coupled Device)，它就像傳統相機的底片一樣的感光係統，是感應光綫的電路裝置，你可以將它想象成一顆顆微小的感應粒子，鋪滿在光學鏡頭後方，當光綫與圖像從鏡頭透過、投射到ccd表面時，ccd就會産生電流，將感應到的內容轉換成數碼資料儲存起來。ccd像素數目越多、單一像素尺寸越大，收集到的圖像就會越清晰。因此，儘管ccd數目並不是决定圖像品質的唯一重點，我們仍然可以把它當成相機等級的重要判準之一。
3.什麽是cmos？
comple-mentary metal-oxicle-semiconductor，中文譯為"互補金屬氧化物半導體" 也是是感應光綫的電路裝置的一種，現在佳能數碼相機普遍采用這種感光裝置。
4.什麽是dpof？
dpof指的是數碼打印順序指令，用於在存儲介質(影像記憶卡等)上記錄信息。在此格式下，你可以設定將數碼相機拍攝的那些影像進行打印以及進行打印多少張。
5.什麽是exif？
所謂exif (exchangerable image file format for digital still cameras)，就是由jeita(電子信息技術産業協會)製定的、决定記錄jpeg圖像和聲音的文件上的附加信息的方式的規格。
6.什麽是exif 2.2？
exif 2.2版是一種新改版的數碼相機文件格式,其中包含實現最佳打印所必需的各種拍攝信息。
7.什麽是ptp？
ptp是英語“圖片傳輸協議(picture transfer protocol)”的縮寫。
ptp是最早由柯達公司與微軟協商製定的一種標準，符合這種標準的圖像設備在接入windows xp係統之後可以更好地被係統和應用程序所共享，尤其在網絡傳輸方面，係統可以直接訪問這些設備用於建立網絡相册時圖片的上傳、網上聊天時圖片的傳送等。
當然，這主要是為方便計算機知識不多的普通用戶的，使相機、應用軟件、網站....結合在一起更容易地完成一些傻瓜式功能。
8.什麽是tiff格式？
tiff是一種比較靈活的圖像格式，它的全稱是tagged image file format，文件擴展名為tif或tiff。該格式支持256色、24位真彩色、32位色、48位色等多種色彩位，同時支持rgb、cmyk以及ycbcr等多種色彩模式，支持多平臺。tiff文件可以是不壓縮的，文件體積較大，也可以是壓縮的，支持raw、rle、lzw、jpeg、ccitt3組和4組等多種壓縮方式
9.什麽是wave？
這是錄音時用的標準的windows文件格式，文件的擴展名為“wav”，數據本身的格式為pcm或壓縮型。
10.圖像儲存格式
由於數碼相機拍下的圖像文件很大，儲存容量卻有限，因此圖像通常都會經過壓縮再儲存。最常見的圖像儲存格式就是jpeg和tiff檔，jpeg經過高度壓縮，能使檔案變為原先的1/4、1/8或1/16大小左右，因此可以省下不少儲存空間，不過相對也會讓原始圖像資料有所損失，許多相機都會提供特定的壓縮比例供使用者自己選擇。
tiff文件幾乎未經壓縮，所以圖像會比jpeg保持地更完整。不過因為圖像分辨率越高、壓縮越小就越占記憶空間，所以拍照時必須兼顧對圖像的品質要求與記憶卡容量。舉例來說，一張8mb的smartmedia內存卡存640×480分辨率、高壓縮格式的照片可能可以存80張，可是如果存1024×768、未壓縮格式的照片就衹能存3張，差異其實非常大，因此拍攝前必須先預設儲存模式或幹脆準備好足夠的內存卡。 |
攝影術語 Photography Terminology |
像深
景深前界和景深後界分別共軛的兩個成像平面之間的距離。像深與景深相對應，像深越大，景深也就越大。
確定景深的標準：135相機可允許的模糊圈直徑一般為 1/30 mm,即0.033 mm。
超焦距：
當鏡頭聚焦在無限遠時，位於無限遠的景物結成清晰的影像，同時在有限距離某一點上的物體也能達到清晰的標準，近於這一點的物體就模糊起來，那麽，這個物體到鏡頭之間的距離就是超焦距。
焦距
透鏡中心到其焦點的距離。焦距的單位通常用mm(毫米)來表示，一個鏡頭的焦距一般都標在鏡頭的前面，如f=50mm（這就是我們通常所說的“標準鏡頭”），28-70mm（我們最常用的鏡頭）、70-210mm（長焦鏡頭）等。
光圈
用於控製鏡頭通光量大小的裝置。
快門
用於控製曝光時間長短的裝置。快門一般可分為簾幕式快門和鏡間葉片式快門以及鋼片快門三種。其中簾幕式快門又可分為縱走式簾幕快門、橫走式簾幕快門。鋼片快門可以達到更高的速度（目前最高快門速度可達1/12000秒以上）。鏡間葉片式快門的最高速度一般不超過1/500秒，但鏡間葉片式快門的最大優點是拍攝時産生的噪音極低，極利於偷拍，並可以實現全速度範圍內同步閃光。
快門速度
快門開啓的時間。它是指光綫掃過膠片的時間（曝光時間）。例如，“1/30”是指曝光時間為1/30秒，同樣，“1/60”是指曝光時間為1/60秒，1/60秒的快門是1/30秒快門速度的兩倍。其餘以此類推。
說明：有些資料把快門速度稱為快門時間，二者名稱不同，但含義相同，均指快門打開的時間。
景深
影像相對清晰的範圍。景深的長短取决於三個因素：鏡頭焦距、相機與拍攝對象的距離、所用的光圈。景深與以上三者的關係是：⑴焦距越長，景深越短；焦距越短，景深越長（例：在同樣的光圈、距離的情況下，28mm的鏡頭的景深要遠遠大於70mm鏡頭的景深）；⑵距離越近，景深越短，距離越遠，景深越長（例：在同樣的焦距、光圈的情況下，拍攝對象在10米時的景深要遠遠大於拍攝對象在1米時的景深）；⑶光圈越大，景深越短，光圈越小，景深越長（例：在相同的焦距、距離的情況下，光圈為F16時的景深要遠遠大於光圈為F4時的景深）。 |
新聞攝影的歷史見證 Milestone in the history of news photography |
1848年5月5日，德國漢堡發生了一次大火，大火連燒了四天，比鷗烏和史特爾茨納二人奔赴火場，拍下了有關廢墟的許多照片，後來大多失散，僅存一幅。這次拍攝和這張照片是今天人們公認的世界上第一次新聞攝影活動和第一張新聞照片。
攝影術的誕生是隨着歐洲資本主義的發展應運而生的，150多年來，它經歷了一個由簡單到復雜、由低速嚮高速、由手工嚮自動化方向發展的過程，但萬變不離其宗，總也脫不開照相機和膠捲的傳統模式，代代相傳，直至今日。
100多年來，人們也一直在為尋求一種新的感光材料和更為方便實用的攝影方法而苦苦追求，以取代復雜、陳舊、落後的傳統攝影方式。
二十世紀末葉以來，伴隨着計算機在各個領域的迅速普及，數字時代已經來臨，給人們的工作和生活帶來了新的衝擊，應運而生的數碼相機，開拓了數字影像豐富的世界。數碼相機的誕生，從根本上改變了傳統的攝影工藝和攝影體係，它不僅影響並改變着攝影業的經營觀念 、經營方法、管理及服務質量，而且導致每一位攝影工作者創作觀念、創作方法的更新。可以說，數碼攝影是世紀之交攝影技術領域中的一次非常引人註目的革命。數碼攝影為新聞攝影、圖片等各類攝影開創了發展的新機遇，在新舊技術的轉型期，我們能否做出快速反應，及早切入，充分享受高科技給人類提供的創作愉悅，也是我們攝影工作者面臨的新課題。
數碼攝影的誕生，嚮傳統攝影發起了嚴峻的挑戰，迫使我們不得不從零開始，來認識數碼相機。而數碼相機就是由無數個0和1在計算機裏或電子器件裏排在一起。通俗一點的講，數碼相機就是用電子元器件（一般是CCD或CMOS）替代膠捲作為感光材料並將其所攝物體記錄下來的圖像以數碼的形式保存在可多次重複使用的存儲卡中的照相機。數碼相機的光學部分、機械部分及成像原理與傳統的光學相機幾乎沒有任何區別。數碼機相是基於當今社會個人電腦以及微電子技術大規模普及而産生的，它的産生、運用、處理及日後的發展與電腦、微電子技術、電子元器件及大規模集成電路等相關産業的發展密切相關，數碼相機解决了方便、迅速、高效、成功率的原始拍照問題，後邊的事情就交給電腦（也稱“電子暗房”）去完成。 現代社會進入了數字代時代，隨着圖片處理的電腦化，傳遞方式的通訊衛星化，幅大量多的彩色化趨勢的發展，必將為新聞攝影帶來新的繁榮和發展，尤其在中國，數碼相機在新聞攝影中的應用仍處在一個上升和發展的時期，新聞攝影將會充分利用電腦的強大優勢，以嶄新的面目和姿態在信息傳播領域發揮新的獨特重要作用。 |
世界著名攝影大賽 World-renowned photography contest |
普利策新聞攝影奬
開始於1917年的普利策奬由美國著名報人約瑟夫·普利策創立，主要分為新聞奬和文化藝術奬。
普利策逝後立下遺囑，將財産捐贈給哥倫比亞大學，設立普利策奬，奬勵新聞界、文學界、音樂界的卓越人士，該奬自1917年以來每年頒發一次。 85年來，普利策奬象徵了美國最負責任的寫作和最優美的文字。特別是新聞奬，更是美國報界的最高榮譽。每一個希望有所作為的美國記者無不以獲得普利策新聞奬作為奮鬥的目標。 普利策奬的評委由有成就的名記者組成。
當年的優勝者由評委審查、挑選，但評選結果需經哥倫比亞大學顧問委員會通過，並由哥倫比亞大學校長宣佈。 首屆普利策攝影奬是1942年頒發的。此後，除1946年外，每年頒發一次。從1968年開始，攝影類增設了專題新聞攝影奬，獲奬作品通常由一組照片組成。 普利策攝影奬獲奬作品具有重要意義。不少美國人對於許多重大事件的深刻印象是由當年普利策奬獲奬照片形成的。事實上，許多美國人是通過回憶他們第一次看到這些影像時正在做什麽來記錄自己的一生的。
世界新聞攝影比賽
世界新聞攝影比賽(WPP)又稱荷賽，是1956年由荷蘭三位攝影傢發起創立的基金會支持的，該基金會的宗旨是：“在全世界範圍內引起並增強人們對新聞攝影的廣泛興趣，傳播信息並加強國際間的相互理解。”
四十年來，世界新聞攝影比賽的規模在不斷擴大，到現在，每年都有數十個國傢近萬幅作品參賽，比賽項目發展到9類19項，是世界上參與範圍最廣，最具代表性和權威性的新聞攝影大賽。荷賽每年還常增設一些特別奬，如“匈牙利李斯特奬”、“奧斯卡·巴納剋奬”等。荷賽所涉及的題材的多樣性使其參賽及獲奬照片不但能基本涵括每年的重大事件，也能深入人類的日常生活，它的作品已成為人類所處的時代和歷史的見證。
哈蘇國際攝影奬
哈蘇基金會是由厄納和維剋多·哈蘇捐贈的遺産於1979年建立的。基金會的宗旨是促進自然科學和攝影領域的科學教育和研究。該基金會每年都撥款資助衆多項目，其中之一就是每年一度的哈蘇國際攝影奬。1989年，該基金會在瑞典哥德堡成立並嚮公衆開放了哈蘇攝影中心（哈蘇中心），該中心已經舉辦了一係列展覽和文化演講活動。值得一提的是，該中心還建有一個面嚮研究者和學生的攝影研究與參考書圖書館，收藏有包括歷屆哈蘇國際攝影奬獲奬者作品在內的豐富的圖片。
哈蘇國際攝影奬創辦於1980年，目前已經逐步成為一項國際攝影界重要的攝影賽事，主要宗旨是奬勵“一位公認的攝影師的主要成就”。該奬項由一批在國際上有影響力的攝影傢和資深專傢推薦3名候選人，最終得主則由哈蘇基金會董事會從3名候選人中選定。
【平遙國際攝影大展】
2001年，在國傢文化部、國務院新聞辦公室和山西省委、省政府的大力支持下，首次創辦的“平遙國際攝影節”完全按照國際規範操作，國內與國際接軌、傳統與現代互動，使平遙古城獨特的風貌、古樸的民風以及形式多樣的攝影活動交相逃映，在海內外産生了出乎預料的轟動效應。因此，經國傢文化部批準、組委會决定在2002年9月15-22日繼續舉辦這一盛會。
2002年平遙國際攝影大展吸引了來自法國、美國、西班牙、丹麥、俄羅斯、意大利、比利時、日本、韓國等國傢的著名攝影傢參展，他們展出的18組30個展覽全部是第一次在中國亮相。國內攝影展覽有33組65個，整體上突出了“世紀中國”的主題，我們從大展所展出的幾千幅作品中選部分精品，編輯成册，記載下這輝煌的瞬間。
2009平遙國際攝影大展
2009平遙國際攝影大展將於9月19日至25日在平遙古城舉行，主題是“生命·夢想”，今年的大展從學術闡釋到作品徵集，從展場規劃到環境設計，全方位打造國際化、專業化、多元化的盛大展會。本次大展匯集了來自46個國傢和地區的150個展覽，全球1232位攝影師的上萬幅作品將在九大展場分別展出。
18日晚19：30，將在古城雲錦成演藝中心，舉行2009中國平遙國際攝影大展開幕式晚會。19日上午 10：30，在古城縣衙親民堂前，2009平遙國際攝影大展將掀開華麗的面紗，正式開展。
【棚拍攝影】
棚拍也是攝影活動中一個非常受歡迎的拍攝方式，由於在室外的拍攝效果經常會受製於不合適的照明條件或多變的天氣。但如果在攝影棚內拍攝，就能夠控製影像，而且想拍多久就拍多久。使用很容易獲得的設備和材料，就很有可能拍出精緻的、使人印象深刻的肖像照. 這樣呢,就出現棚拍這樣一種拍攝方式。 |
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拍攝出好的攝影作品需要有一定的器材,耐心，以及一些必要知識。
所謂“攝影”，就是對一些景物的局部或者全部進行拍攝，以被攝物體的獨有特徵之美來吸引觀衆。但在拍攝時近景時，通常由於相機離被攝物體很近，所以很容易因為相機的舉握不穩定而影響像質。不過你可以通過購買一些適當的器材來剋服這些問題。拍攝好的攝影作品需要掌握以下幾個技巧：
一、使用三角架
你必須將你的相機安裝在一個三角架上以防止相機的晃動。盡量的將相機靠近被攝物體，並且註意不要引入不必要的陰影。
二、調焦軌
雖然它不是拍攝時的必備品，但是調焦軌卻是一個很好的輔助裝置可以幫助你拍攝出好的特寫鏡頭。調焦軌能夠使相機以非常小的增距沿着X和Y軸綫移動，能夠精確的控製相機的位置和畫面的景深。如果用移動三角支架來達到理想的位置則是非常麻煩的。
三、使用快門綫
即使你已經將相機安裝到了三角支架上，但是如果你在按快門的時候不小心，仍然有可能使相機産生晃動，所以為了避免這種情況的發生，我建議你最好還是使用快門綫。
四、使用黑色或有色背景
在拍攝時，當被攝物體的背景為黑色，那麽就能夠使拍攝出來的圖象看起來最清楚。你也可以使用模糊的背景，特別是當被攝物體的色彩很濃的時候。
五、在必要的時候使用反光卡
使用一個白色的卡片或是用一張鋁箔包在卡片上，將光綫反射在被攝物體上，以照亮物體上的陰影部分。需要註意的是不要讓這張卡片出現在被拍攝範圍內。
六、一定要有耐性
有時候，即使是一陣微風也會使拍攝到的特寫鏡頭出現模糊的情景，? 在這個時候，你就一定要有耐性了，最好是等到風過了之後再進行拍攝。同樣的，在戶外拍攝時，當天上的雲將太陽遮住了，最好是等到太陽出來後再拍攝，這樣拍攝出來的照片看起來會比多雲時拍攝的照片的色彩更鮮豔、明亮一些。
奧地利攝影傢伊涅斯特•哈斯對此也有同感，對於構圖，他己達到手中無劍，劍在心中的境界，他認為、“構圖在於平衡，每個人對平衡的處理都各有不同。”正如同武功達到最高境界時，已沒有招式名稱，衹憑自己的功力去化解。關於相機在構圖中的位置，他認為：“你越能忘記你的器材，越能集中你的題材和構圖，那麽相機衹是你眼睛的延續，再沒有其他意義。”
小雅各布斯還認為：“構圖的最基本的因素是綫條、形式、質感以及這些因素之間的空間。當然色彩同樣也是不可忽略的因素。會聚的綫條一般能說明透視關係，但並不是所有的照片都非要表現出透視的深度不可。許多傑出的作品都是平面圖案。在取景器中的某個景物或人物的肖像，都是根據攝影者個人的感受進行安排的。因此，怎樣構圖，和怎樣選擇主體、光綫、色彩一樣，也能成為一個攝影傢獨特的個人風格的基礎。 “在大多數情況下，每幅照片中都有一個或一組形狀或形式起主導作用，而照片中的色彩、體積、位置和其他形狀等，都是為主導因素服務的。 “構圖中的對比，是指大與小、明與暗、近與遠、主動與被動、平滑與粗糙、色彩的濃豔與輕淡等等的對比。要多利用這些相互對立的因素，通過它門使主體影響整個構圖。例如，恰當地利用對比法則，照片就會具有強大的魅力。” 有些人或許對構圖有天賦。
七、曝光要遵循寧欠勿過的原則，依據背景的光亮部分進行點測光，這才能使主體曝光嚴重不足，形成強烈的剪影
八、當畫面中被攝主體在畫面中所占比例過小，或畫面的空白空間比較單調時，可以創造性地運用剪影作為前景，通過黑色的剪影既可以壓迫觀衆的視覺投嚮被攝主體，同時黑色剪影也不會分散觀衆的註意力。我們甚至可以運用以剪影作為主體的邊框，形成方、圓或變異的各種形狀，使平常的景物具有獨特的畫面形式感，增加畫面的縱深感。 |
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- : taking, photographing
- n.: filming, photography, shooting, take a photograph, shoot a film
- v.: photograph, shoot, take a photograph
- adj.: of, used in or produced byphotography
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- v. prendre une photo, photographier
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攝景, 攝影術
攝影用的, 攝製的 |
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